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HAMAL

Historia Analítica de los Medios Argentinos y Latinoamericanos

Cátedra: Alfredo Marino

El Melodrama. Selección del libro: Melodrama, el cine de lágrimas de América Latina

Silvia Oroz

Traducción: Alfredo Marino

El melodrama fue el género cinematográfico más amado por el público y más repudiado por la crítica y por los llamados “públicos eruditos”. En la década del 60, cuando la necesidad imperiosa era situar al cine en un momento histórico de características antiimperialistas y destacar su importancia autoral o político-cultural, se alejó y combatió la producción anterior. Fue negada y descalificada fobicamente. Históricamente, se comprende esta actitud como una necesidad táctica y no estratégica. De otro modo, seria un suicidio cultural de negación de las propias referencias cinematográficas y de la importancia que aquel tipo de cine tuvo para su público.

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En un análisis respecto al estudio de la cinematografía en América Latina, anterior a la política del cine de autor, no fueron considerados aspectos como:
El cine de la época correspondía a estructuras de industrialización incipientes de los respectivos países, debido a políticas locales que contemplaban intereses nacionales.
Por eso los films abrían, sobre todo, una posibilidad de desarrollo de la industria cinematográfica. Así el melodrama fue el género más representativo, convirtiéndose en la educación sentimental de más de una generación.
El desarrollo de esta industria también posibilitó el surgimiento de pioneros, cineastas y artesanos, que estructuran una cinematografía en sintonía con su público. Esta sintonía tenía una identidad de clase social.
El público sustentó la industria cinematográfica, por que esta suele dirigirse al universo de símbolos y mitos de aquellos que pagaban los ingresos de las décadas que tratamos.
El melodrama (o los films para llorar) fue un producto serio de producción masiva y en el se multiplicaron los esfuerzos de producción y de estructuración de una sintaxis narrativa.
El melodrama fue clasificado como un producto alienante apenas por la generación cinematográfica que surgió al final de la década del 50. No fue presentado como un producto de cultura de masas. Era visto en bloque, sin que fuese tenidas en consideración su propia dialéctica y su relación con el público.
Se analizó el melodrama con relación al espectador de los años 60, sin que se comprendiesen las características históricas del público en las décadas de los 30,40 y 50.
Resumiendo: el melodrama no fue entendido ni en su propia dialéctica, ni con relación al momento histórico, ni en su interrelación con el público.

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Articulación del Melodrama
La interpretación del género melodrama fue caracterizada por un análisis valorativo de los patrones estéticos del siglo XIX, sin que fuese considerada su relación con el público ni la revolución que significó el surgimiento de la novela de folletín. Por lo tanto se repudió al género.
Los comienzos fueron musicales, el melodrama propone la simplificación formal y apela directamente a los sentidos y a la comprensión.
Por esto se mantiene a través de dos siglos la relación de aceptación público-melodrama.
Tales orígenes aparecen en el siglo XVI en Florencia, entre los círculos cultos que pretendían retomar el “hablar cantando” de la tragedia griega, en contraposición a la polifonía y el contrapunto, que tornaban a los textos ininteligibles. Esta vuelta a la pureza de la tragedia griega –reacción típica del renacimiento- restituyo el sentido al espectáculo y a la concentración temática en dramas individuales y en sentimientos perdidos como el canto litúrgico.
En el siglo XVII, surgen los primeros dramas líricos de Claudio Monteverdi, antecedente de la ópera. Música rica en “pathos” que permitía expresar, según el mismo Monteverdi, los sentimientos más recónditos del alma, sintetizados en dolor, rabia, locura y resignación.

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El cine sonoro aprovechará algunas características del melodrama, superabundancia de signos por ejemplo la música.
Los trucos (fundidos, elipsis, sobreimpresiones) van a incrementar la emoción que ya desde el teatro se había intentado ofrecer al público para lograr la máxima emoción.
El siglo XVIII va a ser muy fértil para el melodrama ya que el público cambió y comenzó a surgir una masa con intereses propios.
El público que asistía a las ferias, al “vaudeville” y al melodrama teatral eran soldados, trabajadores y empleados igual que el primer público del cine. También lo será la masa semi-rural, que, con sus temas y presencia, hacen al desarrollo del melodrama latino-americano.

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La alteración del periodo es total. La cultura sale de la corte para integrarse a la ciudad y del salón al café. Para el público analfabeto el teatro es prácticamente su única referencia literaria. Es una típica situación pre-revolucionaria, y la exaltación de la sensibilidad popular, esta a la orden del día. Es entonces cuando que se origina el melodrama en su versión moderna, así como su amorosa, duradera y compleja relación con su público. Relación que detonará con el melodrama cinematográfico y que, en América Latina, alcanzará su punto más alto.
Durante los periodos pre y pos- Revolución Francesa (1789), había, en París, seis tipos de repertorio teatral:
1- La comedia en cinco actos: era el género culto, proveniente de la literatura, que tuvo, en el repertorio del teatro Odeón, su mejor exponente.
2- La obra de costumbres: es la heredera del drama burgués.
3- El drama sentimental: inspirado en el anterior, pero de un nivel más bajo
4- La comedia histórica: los hechos y personajes son tratados como curiosidades.
5- “Vaudeville: una comedia con canciones intercaladas
6- Melodrama: presenta una trama de acciones serias y trágicas, teniendo en común con el vaudeville la intercalación de números musicales.

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El vaudeville teatral, en el cine, se transforma en comedia y junto con el melodrama, dividirá a la cinematografía latino-americana entre los “filmes para reír” y los “filmes para llorar”
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En el periodo de instalación del melodrama moderno es la Comedia Larmoyante el antecedente más distante. Este tipo de comedia se basaba en un sentimentalismo conservador y con preocupaciones moralizantes, Se inspiraba en una fuerte pasión irracional y se basaba en el principio de Rousseau sobre la bondad natural del hombre. Pasiones suaves y virtud recompensada son los temas de la Comedia Larmoyante, cuyo hilo conductor es un fuerte sentimentalismo. El sentimentalismo conservador y la preocupación moralizante hacen parte de la estructura formal e ideológica relativa al melodrama cinematográfico. Tal como las pasiones suaves y la virtud recompensada provocan su universo argumentativo.
La novela negra, conocida como novela gótica, constituye otro importante antecedente para la comprensión del género melodramático. Nacida en Inglaterra incorpora el gusto por lo maravilloso. Por el efecto y lo insólito, También incorpora el héroe romántico, solitario y con un destino superior. Este nuevo modelo de héroe esta emparentado a la tragedia griega y representa la tentativa individual de supervivencia en una época de proletarización urbana. La Novela Negra manifiesta la sensibilidad del gusto popular acentuada y tendrá enorme influencia en la posterior evolución del melodrama. El cine no escapará a esa influencia.
La Pantomima, género nacido en Roma, floreció en Francia en los perturbados días de la Revolución y se popularizó en los espectáculos de feria. A partir de allí, a la pantomima original se le añadió textos explicativos escritos para aclarar las historias. Estos textos constituyen un antecedente de los carteles del cine mudo y de los “baloons” en las historietas. Esas pantomimas, tal vez debido al analfabetismo de sus espectadores, dejaran de lado sus carteles escritos y serán substituidos por los diálogos entre los actores. Así aparece el melodrama del siglo XIX, llamado “Melodrama à grand spectacle”.
De esta manera se va formando el melodrama teatral europeo, cuyos antecedentes están en la Novela Negra inglesa. El sensacionalismo de esta fue de una importante influencia sobre el primero.
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El surgimiento de la novela de folletín fue un factor determinante en la evolución del melodrama y el antecedente más remoto de una de las articulaciones básicas de su desarrollo en la industria cinematográfica: el valor del producto según la demanda del mercado. La novela de folletín introdujo ese valor mercadológico y abrió el espectro del público a la primer categoría de “masa de espectadores”. Nunca un arte fue tan reconocido por el gran público de diversas clase sociales.
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La nivelación a que se refiere Hauser determina el nacimiento del primer público interclasista, ya que las historias de los mundos propuestos permiten una agradable proyección sicológica en los lectores de diferentes clases sociales. Esta proyección fue analizada por Marx en La sagrada familia (1845) como “evasión”. Esta interpretación, dirigida al contenido conservador de la novela de folletín, influenció los análisis posteriores del melodrama. En estas, no se consideró que la justa observación de Marx correspondía a un contexto de incipiente desarrollo como antecedente, que hoy se conoce como cultura de masas, cuyos medios de producción característicos del siglo XX no eran conocidos. Por otro lado, esa interpretación posibilitó la caracterización de “alienante” a que fue condenado el melodrama.

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La novela de folletín introduce un nuevo tipo de creador, aquél que no es clásicamente culto y cree en su producto y en los valores que son representados en él. Este nuevo creador tendrá continuidad en los pioneros del cine, y los directores de la industria cinematográfica latino-americana serán un ejemplo cabal de esto.

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En los años 30, en los Estados Unidos, surge la “Soap Opera”, melodrama radiofónico que rescata el melodrama doméstico, presentando conflictos familiares de clase media sobre una perspectiva femenina. “Soap” está relacionado con los anunciantes, que eran, en general, los fabricantes de jabón; “Opera”, por el romanticismo de este género musical. Así, como ya había sucedido en el siglo XIX, en el melodrama del siglo XX se incorpora las manifestaciones de cultura de masas. Son las convenciones del género sublimadas en la lucha entre le bien y el mal, que marcaron la relación producción de masas / público.
La “Soap Opera” será reinventada en Cuba con Félix B. Caignet. En la década del 30, las aventuras detectivescas de La serpiente roja serán transmitidas por más de diez años. Pero es con El derecho de nacer (1941) que Caignet se convierte en el autor “clásico” del género. Esta radionovela será reproducida en fotonovelas, cine y televisión, en toda América Latina, y aún hoy esta presente en el mercado con algunas de esas formas.
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El fenómeno más singular y, al mismo tiempo, más importante en la formación de masas consiste en la exaltación o intensificación de la emotividad en los individuos que la integran.
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La producción de masas tiene una articulación catártica, propuesta a través de las lágrimas, es la aliada ideal que posibilita la empatía género / público.
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...He allí una de las claves que diferencian al melodrama cinematográfico norte-americano del latino-americano. En este, el pecado es otra posibilidad de la vida y, más de una vez, tiene su justificación. La arbitrariedad respecto al melodrama y su público impregnó su comprensión de malos entendidos y preconceptos. La preocupación fundamental recayó en el mal que el género trae. Esto determinó que las preguntas y métodos de respuesta sobre este fueran de carácter anti-séptico. No se consideró su génesis en su histórica relación con el público. No se dio importancia al conjunto de informaciones que posibilita la comprensión de un género. No fue comprendida su relación con el mercado, nacida como novela de folletín, y que rigiera la producción cultural del siglo XX. El moralismo anglo-sajón de Mac-Donald, con su división de “alta cultura” o “mass-cultura”, fue una referencia importante para el análisis peyorativo y superficial.
Al ser repudiado con aversión, a partir de la década del 60, el melodrama cinematográfico latino-americano, en vez de ser analizado con los patrones mencionados, padeció la óptica de la dictadura de la política de “autor”. Cualquier manifestación cinematográfica que excluyera al autor no servía. Es importante destacar que la noción del autor trae consigo una larga historia ideológica. En las culturas medieval y renacentista, autor y autoridad estaban relacionados. Los “autores” eran los más antiguos –escritores griegos y latinos-, cuyas enseñanzas deberían ser seguidos. Tal noción se extiende hasta la idea más contemporánea de propiedad literaria. Por otro lado la noción de autor fue desarrollada de tal manera, en el cine latino-americano, que no se permitió entender la importancia del desarrollo industrial del cine en la afirmación de intereses nacionales.

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Formas de exposición
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Antes de la Primer Guerra Mundial, el melodrama teatral comenzó a decaer y su rendimiento económico entró en colapso. Se producía un importante cambio en la forma de escribir y de actuar, y el realismo y el naturalismo comenzaron a sustituir la forma melodramática. A su vez, el público analfabeto y semi-analfabeto fue para el “music-hall”. Poco tiempo después pasara masivamente para el cine. Así, los teatros se perfeccionaron arquitectónicamente, y su publico cambió su “status” social.
El melodrama emigró para el cine, y la relación entre ambos configuró la estructura del lenguaje cinematográfico. Analizando el melodrama teatral literario del siglo XIX, se notan nítidamente las semejanzas en la forma de exposición que existe entre películas y melodramas. Tensión creciente y rapidez de acción constituyen la naturaleza del melodrama. Por eso, fue fundamental su preocupación con el juego del tiempo / espacio, juego que antecede a las técnicas que el cine a perfeccionado con maestría. Dentro de este movimiento, era necesario que los cambios entre escena y escena fuesen rápidos y estuviese unida a una gran destreza en el dislocamiento y los cambios de escenario. Estas técnicas son a raíz de una sintaxis cinematográfica y serán utilizadas y consumidas por el cine. Los cambios de escena fueron resueltos con el montaje paralelo, lográndose el máximo de tensión y suspenso. Esta técnica atribuyó al cine una de sus funciones fundamentales del melodrama victoriano: el divertimento-entretenimiento, distracción y recreación.
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Antiguas relaciones: exégesis
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Existe un notorio paralelo entre el público de los primeros melodramas de feria, el melodrama teatral victoriano y el cine primitivo con la producción cinematográfica latino-americana: esos espectadores querían ver la representación de alegorías dramatizadas de la experiencia humana. La exposición de una idea en forma figurada, acentuando obras sentimentales con fuerte moralismo, fue uno de los motores, en la relación melodrama / público.
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Existe un cierto paralelo con el público del cine primitivo, también semi-analfabeto, que indujo a un amplio campo de desarrollo de descripciones cinematográficas simples. El cine se constituyó en una forma de educación audiovisual mejor que los espectáculos populares conocidos hasta ese momento, y la imagen suprimió los problemas de comprensión con el público que no sabía leer.
Principalmente en los Estados Unidos, los inmigrantes usaron al cine para comprender el país donde estaban viviendo; del mismo modo, los espectadores del interior veían en el cinematógrafo una forma de “apoderarse” de los hábitos de la ciudades. En medio de eso, la clase media es conquistada, originándose un embrión de flujo masivo de público. A su vez, los valores de esta clase influirán, decisivamente, en la narrativa cinematográfica. Se implanta, entonces, una relación narración / mentalidades.
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Como forma teatral, el melodrama fue un pasatiempo relacionado con las convenciones sociales, y sus característica estaban ligadas al público. Descripciones simples, concretas y retóricas, que ayudan a definir el género, fueron el nexo con los espectadores que constituirían un importante antecedente del público de la cultura de masas.
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Esto significa que la retórica del melodrama que tiende a señalar, reiteradamente, el mismo significado a través del dialogo, la escenificación, la insistencia musical, etc. esta estrechamente relacionada con el gusto popular y su reafirmación conceptual. Nótese que en la industria cinematográfica latino-americana los títulos de los films también son parte de esa retórica: “Aventurera”, “Mulata”, “Pobre mi madre querida” muestran, sin ceremonias, el tema del film sin ningún tipo de sutileza.
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La relación melodramas / convencionalismos sociales no es exclusiva del género, y sí de toda la producción de cultura de masas. Así los significados morales defendidos por ella corresponden a valores patriarcales y judeo-cristianos. La defensa de estos contenidos funcionan como reafirmación del mundo conocido y asimilado por el espectador, lo que genera una familiaridad con el producto. En esta familiaridad es que se articula la afectividad público / producto.
Las normas sociales ayudan a formar el binomio del relato/formas de producción. En el siglo XX, algunos editores de novela de folletín y subliteratura preestablecieron algunos parámetros de comportamiento para el material a ser editado. Estas normas no difieren, en esencia, del código de moral que regía a la industria cinematográfica norte-americana desde 1920 y que se resume en:
1.- No se producirán filmes contra los principios morales del público. La simpatía del espectador no puede orientarse para el crimen, delito, maldad o pecado.
2.- Serán representados correctos modelos morales de vida, sujetos apenas al drama y al entretenimiento.
3.- La ley no será ridiculizada ni se podrá despertar simpatías por su violación.
Estas reglas morales, conforme señala John Fell, constituyen el alma del melodrama, pues exigen caracterizaciones simples, elevado interés dramático, acción constante y situaciones claras y fuertes. De hecho, estas características básicas del melodrama, que exigen una narración que señala una única lectura. Este tipo de relato es uno de los articuladores de la cultura de masa y de las preferencias del público. Los convencionalismos sociales influenciaron en la construcción de una forma narrativa de aceptación popular. De esta manera se define la relación gusto popular/moral social.

Bibliografía:

Selección del libro: Melodrama, el cine de lágrimas de América Latina; SILVIA OROZ Ed. FUNARTE, Río de Janeiro, 1999.